Chris Difford und Glen Tilbrook sind die Lennon und McCartney der 80er. Solcherlei Vergleiche wurden zumindest bemüht, um das Duo zu beschreiben, das mit Sicherheit eine Ausnahmeerscheinung darstellt.

Die beiden Sterne am Himmel der Songwriter begannen freilich bereits in den 70er Jahren, gemeinsam zu musizieren und tun dies – mit Unterbrechungen – bis heute. Es ist natürlich nicht immer einfach gewesen, schließlich haben die beiden wilde Zeiten hinter sich. Sie haben die 70er überstanden, von denen manch einer sagt, wer sich erinnern könne, sei nicht dabei gewesen. Allerdings sagt Difford, heute trockener Alkoholiker, sein „lost weekend“ seien nicht die 70er gewesen, sondern viel eher die 80er. Wenigstens scheint die Kasse bei den beiden immer gestimmt zu haben – zumindest scheint nicht die Buchführung ein Problem dargestellt zu haben, sondern vielmehr die anderen, körperlichen Risiken des Ruhms. Mit ihrer Gruppe Squeeze feierten die beiden Herren große Erfolge weltweit, und zwar in der Größenordung, dass sie auch im Madison Square Garden spielten. Komischerweise kennt in Deutschland kaum jemand den Namen der englischen Gruppe; ein Song wie „Tempted“ sollte aber doch den meisten geläufig sein. Nur Namen und Gesichter fehlen den meisten Befragten dazu, man muss das Lied schon vorsingen. Und das ist zum Teil doch sehr verwunderlich, denn zwar sind Difford und Tilbrook sicherlich nie in die Kategorie „Posterboys“ gefallen, doch am bekanntesten ist das Stück in der Version von Joe Cocker – und bei dem ist noch viel weniger von einer Jugendzimmerwandkompatibilität zu sprechen.

Frank Sinatra war bekannt als „The Voice“ und gilt als einer der allergrößten Entertainer aller Zeiten. In den späten 1960er und den frühen 1970er Jahren flirtete er im großen Stil mit der in den 1950ern aufgekommenen und seinerzeit ungeheuer innovativen Populärmusik: Bossa Nova. 1967 entstand ein Album, das der US-Amerikanische Sänger in Zusammenarbeit mit einigen der ganz großen Brasilianer schrieb aufnahm. Dazu gehört der Komponist von Chega de Saudade, das als erstes Stück der Bossa-Nova gilt, und so stehen auf dem Cover zwei Interpreten: Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim. Letzterer gilt bis heute als größter Komponist der „Neuen Welle“ brasilianischer Musik und betätige auf dem Langspieler neben den Tasten des Klaviers Gitarrensaiten und Stimmbänder – letztere angesichts der mächtigen Stimme des Superstars aus New Jersey natürlich hauptsächlich im Hintergrund. Unter der Ägide des Arrangeurs und Dirigenten Claus Ogerman entstand ein Meisterwerk, das für den Grammy Award als „Bestes Album des Jahres“ nominiert wurde. Enthalten waren sowohl brasilianische Klassiker aus der Feder Jobims in englischsprachigen Versionen, als auch drei amerikanische Standards. Die fruchtbare Kollaboration sollte dann1972 für ein weiteres Album wieder aufgenommen werden, diesmal arrangiert vom brasilianischen Großmeister Eumir Deodato, doch leider kam es nicht ganz so weit, denn die schlechten Verkaufszahlen einiger Platten zwischen den beiden Platten, unter anderem des unterschätzten Vorgängers der zweiten Jobim-Kollaboration („Watertown“) veranlassten die Plattenfirma, auf Nummer Sicher zu gehen. Und so fanden lediglich sieben der aufgenommenen Stücke den Weg auf „Sinatra & Company“. Die ebenfalls hervorragende zweite Seite der Scheibe wurde dann von Popsongs aus den Federn von John Denver, Burt Bacharach, Paul Ryan und anderen im Arrangement von Don Costa bestritten. Eigentlich hatte es eine LP mit dem Titel Sinatra-Jobim werden sollen, die allerdings nur in Brasilien auf 8-Spur-Kassette erschien, deren Auflage von 3500 Stück schnell zurückgezogen und eingestampft wurde. Erst dieses Jahr erschien eine Zusammenstellung mit allen Stücken der amerikanisch-brasilianischen Kooperation.

Ariel Pink ist der Mann der Stunde. Anders kann man es nicht ausdrücken. Über welchen Independent-Musiker wird denn heutzutage sonst so viel geschrieben?

Aus Los Angeles kommt der Mann in seinen frühen Dreißigern, und seit acht Jahren veröffentlicht er obskure Platten, die zunächst kaum jemand zu hören bekam, bis seine Tape-Aufnahmen in die Hände von Mitgliedern des Animal Collective fielen – zu einer Zeit freilich, da das Tierkollektiv beileibe noch nicht den Bekanntheitsgrad erreicht hatte, den es heute innehat. Nun ja, fast – die Zeiten haben sich geändert, und selbstverständlich handelte es sich um eine CD-R, die er 2003 der New Yorker Band überreichte, die er durch einen gemeinsamen Freund kennengelernt hatte. Aber tatsächlich ist tatsächlich das Tape das Medium, auf dem er in Lo-Fi-Manier seit 1996 aufgenommen hatte – es sollen 500 Songs aus der Feder des Herrn, der mit bürgerlichem Namen Ariel Marcus Rosenberg heißt, auf Kassetten vorliegen. Die Einflüsse, die sich in seinen Aufnahmen wiederfinden, umfassen ein unfassbar breites Spektrum, dessen Komponenten freilich durch den Lo-Fi-Sound mitunter recht schwer oder überhaupt nicht mehr zu identifizieren sind. Als Schüler hörte Rosenberg mit Vorliebe Gothic-Bands; allerdings klingen Seine Lieder durchaus nicht gothisch oder düster. Hochglanzpop oder Softrock-Elemente findet man an der Seite von Metal oder Reggae, wobei sich die Musik niemals nach gewolltem Crossover anhört, sondern nach durchaus stimmigem Songwriting, das sich jedoch nie anschickt, die mitunter konventionell anmutenden Einflüsse uninspiriert wiederzukäuen. Zwar beschreitet das Pink’sche Werk durchaus gelegentlich den Weg der Pastiche, doch immer klingt es nach Ariel Pink, sei es Lo-Fi oder auf seinen Aufnahmen in höherer Klangqualität. Wayne Coyne von den Flaming Lips, den ja selbst manch einer für durchgeknallt hält, adelte Herrn Pink damit, ihn selbst auf höchst seltsame Weise genial zu finden.

Die Young Marble Giants waren (und sind wieder) eine Band aus Wales, die zu Anfang der achtziger Jahre ein schmales Werk hinterlassen hat, dem aber schnell einen legendärer Status zuteil wurde. Streng genommen waren es ein Album („Colossal Youth“; Namensstifter für die Hamburger Band namens Kolossale Jugend), eine Single („Final Day“) und eine EP („Testcard“). Dazu gab es noch fünf Stücke, die bei der BBC für die Sessions des legendärsten Radiomoderators aller Zeiten John Peel aufgenommen wurden. Und der wusste ja stets bescheid, was der heiße Scheiß war. Das minimalistische und kostengünstige Album wurde gerade deshalb schnell zur Legende, da es anders war als alles je Gehörte. Nach ein paar Jahren des Punk orientierten Musiker sich neu, da das Punk-Modell immer Macho-durchseuchter wurde und musikalisch stagnierte. Auf der Suche nach neuen Formen fand man in Cardiff den kristallklaren Minimalismus und nahm die Songs auf mit einer Farfisa-Orgel, Gitarre, Bass und Drumcomputer. Arrangiert, wie gesagt, so minimalistisch, wie es einem Popsong gerade noch dienlich ist, und dabei von einer beklemmenden Düsternis, wie sie das Wirtschaftsklima der frühen Achtziger so häufig erzeugte – nur ohne den Rückgriff auf irgendwelche gothischen Klischees, ebensowenig, wie verzerrte Gitarren anderer Finstergenres wie bestimmte Spielarten von Punk oder Metal zu verwenden. Minimalistisch aufgenommen und doch vollkommen klar, also nicht verrauscht oder schlampig gespielt wie bei vielen Vertretern von Lo-Fi-Musik. Ein Stimmungsgenerierendes Moment hiervon mag auch die Abgeklärtheit in Alison Stattons gesanglicher Darbietung von Stuart Moxhams eigentlich eher emotionalen Texten sein.

 Heute

Nach der Instrumental-EP „Testcard“ tat die Band genau das richtige und löste sich auf, anstatt ihre Formel zu Tode zu reiten. Man suchte nach neuen Wegen, und so betätigte sich Stuart Moxham bei The Gist, deren Stück „Love At First Sight“ in der „Paris, le Flore“ betitelten Version von Étienne Daho zum Hit wurde. Alison Statton betätigte sich nach den Young Marble Giants bei den Bossa-Nova-beeinflussten Weekend. Es kam zu Kollaborationen mit unterschiedlichen Künstlern; seit 2003 spielt die Band wieder gemeinsam live.